Archive | agosto 2012

psychobilly para cowboys espaciales

El próximo 18 de septiembre Dwight Yoakam publicará su nuevo álbum en siete años, titulado “3 Pears”, que incluye un par de canciones coproducidas por Beck. Por eso, recuperamos el artículo que un servidor escribió para el libro “Antología del Country” (Editorial Celeste, 1996). En él se repasa la primera época de su trayectoria (hasta 1995), para muchos (entre los que me incluyo) la mejor del carismático cantante.

Ya habían pasado tres años desde que un ataque al corazón acabó con el vía crucis vital de Hank Williams. Corría 1956, y Stonewall Jackson había ahorrado suficiente dinero para ir a Nashville. Y en las mismas fechas, Buck Owens grabó sus primeros singles con su propio nombre. 1956 aún deparaba más sorpresas: un 23 de octubre nacería Dwight Yoakam, el enfant terrible destinado a remover los cimientos del country.

Un inciso para hablar de injusticias: que los medios de comunicación y la industria coincidan en nombrar a Garth Brooks el padre oficial del nuevo country, no es más que una nueva muestra de que lo diferente nunca es aceptado. Aquí no hay opiniones subjetivas, sino pruebas fehacientes: a mediados de los ochenta, Yoakam encabezó el neotradicionalismo junto a Nanci Griffith, Steve Earle, Randy Travis, Lyle Lovett y k.d.lang, aunque la propia industria se esmerara por enterrar sus hallazgos.

Volvamos al 56. El escenario, Pikesville, Kentucky, tierra de mineros, con un pequeño Dwight fascinado por el honky tonk, esa desviación del country que recurrió a la electricidad y al volumen alto para poder ser oída entre el barullo de los garitos donde abundaba la bebida y las mujeres fáciles. Su escuela, la carretera: forjó su estilo en los bares a lo largo de la Ruta 23, en el sur de Ohio. A mediados de los setenta, el salto a Nashville. Allí corrían malos tiempos para el country: la herencia se había perdido e imperaban los sonidos blandos. En el reinado de los John Denvers y los Kenny Rogers, Yoakam fue rechazado por ser “demasiado country”.

Desanimado, se trasladó a Los Ángeles en 1978, donde le esperaba nuevamente el circuito de clubs. Hasta que juntó una banda, The Babylonian Cowboys, con la que teloneó a Los Lobos, The Blasters y Lone Justice. El contacto con el público rock le hizo ganar adeptos, pero aún tenía la espina clavada de su fracaso en Nashville. El deseo de recapturar la esencia original del country le llevó a concebir el neotradicionalismo, un vehículo para actualizar el sonido del country clásico, y demostrar que es tan excitante, apasionado y dinámico como el rock.

Para ilustrar su teoría, invocó el espíritu de Hank Williams, el precursor del rock’n’roll por su sonido y por su modo de vida. Dwight no podía olvidar tampoco que estaba en California, el feudo del estilo Bakersfield creado por Buck Owens, un honky tonk potente con letras sobre amor y bebida. Y, aunque no se considerara un estricto revivalista, quería recuperar el mismo tipo de eco que se escuchaba en los discos de Stonewall Jackson, eso sí, utilizando la tecnología punta.

Mezclando esas influencias, grabó un tema para el recopilatorio A Town South Of Bakersfield (1986), y llamó la atención del productor Pete Anderson. Este excelente guitarrista es el responsable directo del vigor rockista de Yoakam y de las guitarras incendiarias que pueblan sus grabaciones. Tras editar un miniLP, fichó en 1984 para Reprise y regrabó algunas de las canciones en su debut, Guitars Cadillacs Etc. Etc. (1986), con versiones de Honky Tonk Man (Johnny Horton) y Ring Of Fire (Johnny Cash), junto a himnos propios como Guitars, Cadillacs o Bury Me. El disco causó revuelo en Nashville: gracias al apoyo de su excelente directo se vendió bien, y parecía que la meca del country daría la bienvenida a Yoakam como una estrella. Pero su condición de bocazas le privó de una fama mayor: algunos comentarios a la prensa sobre la “basura de Nashville” le condenaron a la lista negra y le convirtieron en un outsider.

Su segundo LP, Hillbilly De Luxe (1987), contaba con recreaciones de Always Late With Your Kisses (Lefty Frizzell) y Little Sister (Elvis Presley), mientras que el tercero Buenas Noches From A Lonely Room (1988), ofrecía actualizaciones de Home Of The Blues (Johnny Cash), I Hear You Knockin’ y, sobre todo, Streets Of Bakersfield (con su intérprete original, Buck Owens, y el acordeonista tex mex Flaco Jiménez).

La primera etapa de la carrera de Yoakam se cerró con el grandes éxitos Just Lookin’ For A Hit (1989), que aparte de incluir algunos de los temas más conocidos de sus anteriores discos, presentaba dos versiones inéditas: Long White Cadillac (Blasters), y Sin City (Gram Parsons), a dúo con k.d.lang.

If There Was A Way (1990) iniciaría un cambio de rumbo en la trayectoria del cantante, alejándose de las versiones para profundizar cada vez más en sus propias composiciones, dando lugar a su álbum más “blues”. Aprovechando la coyuntura del éxito de Garth Brooks, Reprise intentó apuntarse un tanto con Yoakam con La Croix d’Amour (1992), un disco destinado al mercado europeo que reunía sus temas más cercanos al pop y al rock, con versiones de Things We Said Today (Beatles), Here Comes The Night, Let’s Work Together, Suspicious Minds (Elvis) y Truckin’ (Grateful Dead). Tras este paréntesis, Dwight volvió al nuevo material con This Time (1993), poblado de grandes canciones que demostraron su madurez como compositor. Y en 1995, otro paréntesis con Dwight Live, grabado en directo en San Francisco, retrato de sus vibrantes shows.

En su último álbum, Gone (1995), Yoakam intenta responder a preguntas existenciales que no se había planteado anteriormente en su trabajo, y que le han llevado a declarar que este disco ha supuesto su experiencia más gratificante como compositor. A pesar de esta pátina trascendental, puede ser disfrutado también solo a nivel superficial: en Sorry You Asked, sobre un ritmo a lo Johnny Cash, un tipo borracho le cuenta a otro por qué se ha separado de su mujer, mientras unas trompetillas mexicanas rompen la melodramática situación; Near You se acerca al pop de los Everly Brothers, con los coros de The Rembrandts; Don’t Be Sad y Gone aportan su ritmo honky tonk trotón a unas letras teñidas de cinismo; Nothing se abre con una atmósfera inquietante a lo Twin Peaks, mientras que Never Hold You ofrece un insólito tratamiento blues-rock; This Much I Know es una balada marcada por un redoble casi marcial, mientras que Heart Of Stone utiliza una intro orquestal a lo Patsy Cline; y el exotismo aparece en la polka tex mex con acordeón de Baby Why Not, y en el sitar de One More Night.

En el corazón de Texas, los expertos aseguran que el country auténtico es aquel que se toca en bares de mala muerte para gente que quiere bailar, mientras escucha historias de la vida real con las que se puede identificar, cantadas con pasión y convicción.

El legendario Buck Owens, junto a Dwight Yoakam: unidos por el sonido Bakersfield.

Y eso es, precisamente, lo que ofrece Yoakam: country puro y duro hecho con honestidad, que bebe en las fuentes del rock’n’roll, cruza la frontera con México, expresa sentimientos teñidos de cinismo o desgarro emocional, entona himnos de autodestrucción utilizando el tópico del alcohol, y calienta los honky tonk con ritmos trotones. El mismo Dwight lo llama “psychobilly”: es un sonido country, pero como ironizaba en los dibujos de cowboys espaciales de su segundo LP, un country con visión de futuro, con un pie plantado firmemente en las raíces, y el otro saltando hacia un porvenir híbrido y mutante, donde se mezclan el pop, el blues y el rockabilly.

Su papel de llevar el country a una audiencia nueva, más joven, ha sido determinante: las portadas de sus discos, sus videoclips, sus grandes canciones y su carisma claman a horizontes mucho más amplios que los impuestos por el corsé de Nashville: aquí no hay camisas de diseño, ni rodeos… hay ambiciones artísticas: relojes blandos de Dalí, pinturas abstractas, guiones insanos a lo David Lynch o Barry Gifford… demasiado para los redneck de a pie.

A pesar del ostracismo sufrido por su aplastante sinceridad, este cantante-a-un-Stetson-pegado ha sobrevivido gracias a la fuerza de su trabajo, y ha madurado convirtiéndose en un clásico como sus admirados Williams, Jackson y Owens.

Y para terminar, aquí tenéis una lista con la mayoría de canciones que se citan en el artículo. A disfrutarla…

MICROCRÍTICA: isaac hayes

“Raw & Refined” (Pointblank, 1995)

“Branded” (Pointblank, 1995)
El retorno de Black Moses por partida doble: el álbum instrumental firmado por su Movement despliega funk sinfónico para bandas sonoras donde reina el paroxismo de la wah-wah; y el disco de canciones reconvertidas al tamiz Hayes (Fragile de Sting y Summer In The City de John Sebastian), tórridas calenturas (Let Me Love You) y experimentos (Hyperbolics…, doce minutos de funk mántrico con Chuck D). No es nuevo, pero es todo un clásico. (440 caracteres)

MICROCRÍTICA: knoxville girls

“In A Paper Suit” (In The Red, 2001)
Ni son chicas ni son de Knoxville: son tipos duros (ex de Sonic Youth, Pussy Galore, Gun Club y Bad Seeds), capitaneados por el feroz guitarrista Kid Congo Powers. Funden su bagaje con las raíces, y de eso sale rock’n’roll pendenciero, lamentos campestres (del cancionero de Hank Williams y Hasil Adkins), spaghetti western y melodías juguetonas. Como The Cramps o Southern Culture On The Skids, pero sin rubia. (411 caracteres)

MICROCRÍTICA: spearhead

“Home” (Capitol, 1994)

Tras dominar el caos (Beatnigs) e industrializar el rap (Disposable Heroes Of Hiphoprisy), al frente de Spearhead Michael Franti abraza la sensualidad con una banda “real”, acentúa el toque funk y consigue una riqueza rítmica impresionante. Letras inteligentes, cameos de postín (Charlie Hunter y Vernon Reid), guiños a Gil Scott-Heron y, sobre todo, una voz cálida y profunda, entregada a ejercicios de vocalese, que eleva el rap a la categoría de arte poético. (463 caracteres)

rock enmascarado y con capa (y 4)

De los escenarios a las páginas de un cómic
La definitiva muestra de la relación entre el cómic y el rock la encontramos en el hecho de que muchos grupos han tenido su propio comic book. Estos son algunos casos:
Aviador Dro: A finales de 2002 editaron dos cómics, La maldición del Necromicón y Aviador Dro + Fangoria vs  el Gran Tuuluu. Después, participaron en el proyecto Qué mutada con La Monja Enana y L-Kan, una “aventura con 10 superhéroes”con disco, cómic y gira.
The Beatles: Protagonizaron diversos cómics: The Beatles Complete Life Stories (Dell, 1964); Yellow Submarine (Gold Key, 1968); The Beatles Story (Marvel, 1978); la serie limitada de ocho números The Beatles Experience (Revolutionary, 1991); y The Beatles – The Unauthorized Biography (Personality, 1991). Además, en 1966 fueron los protagonistas de una historia de Batman, con un argumento basado en los rumores de la muerte de Paul McCartney.

Coheed And Cambria: Esta banda norteamericana de emo empezó publicando The Bag On Line Adventures para explicar sus orígenes fantásticos. Escrito por el cantante del grupo, Claudio Sanchez, e ilustrado por Wes Abbott, es una saga de varios volúmenes, denominada actualmente The Amory Wars.

Courtney Love: La exlíder de Hole creó con DJ Milky Princess Ai, un personaje manga ligeramente basado en la polémica cantante. Los tres volúmenes se editaron en Japón.

Gwar: Además de tener una biografía y un aspecto de personajes de cómic, el grupo tuvo su propio comic book donde explicaba su origen: Slave Pit Funnies Featuring Gwar.

Kiss: En 1977 empezó su serie con Marvel, donde los Kiss tenían superpoderes. El número 1 estaba impreso con la tinta de color rojo mezclada con la sangre de los componentes del grupo. Tras los cómics autorizados de Marvel, aparecieron otros editados por Rock’n’Roll Comics en 1990 y por Personality Comics y Hard Rock Comics en 1992.

Loquillo: En 1999 el rockero del Clot presentó Corazón de rock’n’roll, ilustrado por David Barto, una aventura gráfica en la que aparecían cameos de personajes famosos y referencias frikis. El cómic ya está descatalogado, por cierto.

Madvillain: El grupo integrado por Madlib y el rapero MF Doom (quien, por cierto, saca su nombre del personaje de Doctor Doom de los Cuatro Fantásticos y lleva una máscara parecida) editaron en 2008 la caja Madvillainy 2, que incluía el CD Madvillainy 2. The Madlib Remix, el single One Beer (Drunk Version), el casete The Madvillainy Demo Tape, una camiseta y el cómic Meanwhile…, una continuación del vídeo en dibujos animados All Caps.

MF Grimm: El rapero, productor y guionista neoyorquino sufrió en 1994 un intento de asesinato por parte de una banda rival de narcotraficantes que lo dejó postrado en una silla de ruedas. En 2007 contó su historia en Sentences: The Life Of MC Grimm, con ilustraciones de Ronald Wimberly, por el que obtuvo dos nominaciones a los premios Eisner.

Public Enemy: En 2009 Chuck D y Adam Wallenta lanzaron una colección basada en el grupo de rap, con sus componentes transformados en superhéroes. La serie, de cinco episodios, se reunió en un solo volumen que también incluía el número cero, estaba autografiado y se acompañaba de un EP exclusivo de seis canciones, Rise Of The Machines, concebido como una especie de banda sonora del cómic.

Rob Zombie: Juntamente con la editora MVCreations es el creador de Spookshow International. Cada número incluía diversos relatos, con personajes como Screaming Lord Zombie, El Superbeasto o la historia House Of A 1000 Corpses, llevada al cine en 2003. Zombie dirigió en 2009 The Haunted World Of El Superbeasto, una adaptación en dibujos animados de El Superbeasto, un luchador enmascarado que combate a zombis, gorilas inteligentes y científicos locos.

Wu-Tang Clan: The Nine Rings Of Wu-Tang es un cómic publicado por Image basado en el popular grupo de rap que también tuvo una versión en juego de Playstation. En la historieta, los miembros de la banda se transforman en personajes de cómic que luchan contra demonios.

Al margen de estos casos puntuales, algunas editoriales han creado series dedicadas a muchos artistas de rock. Las más importantes son:

Revolutionary Comics: Esta editorial publicó una serie de “biografías no autorizadas”. Por un lado, lanzó números monográficos como Best Of British Invasion, Canadian Rock Special, Encyclopedia Metallica, Frank Zappa: Viva la Bizarre, Guns N’ Roses: Greatest Hits, Madonna Special, Queen’s Greatest Hits y Women In Rock Special.

Más interesantes son sus colecciones, integradas por diversos números: The Elvis Presley Experience, Elvis Shrugged, The Led Zeppelin Experience, The Pink Floyd Experience, Hard Rock Comics (con Metallica, Nirvana, Kiss, Def Leppard, Pearl Jam, Motorhead, Queensryche, etc.) y Star Jam (con Hammer, Janet Jackson, Kriss Kross, Ugly Kid Joe, Madonna, etc.).

Sin duda, su colección más ambiciosa y larga es Rock’n’Roll Comics Magazine, con más de ochenta números dedicados a grupos de hard rock (Guns N’ Roses, Metallica, Bon Jovi, Mötley Crüe, Def Leppard, Led Zeppelin, Whitesnake, Aerosmith, Van Halen, Alice Cooper, Queensryche, AC/DC, Anthrax, ZZ Top, Ozzy Osbourne, Scorpions, etc.), rap (Public Enemy/2Live Crew, Vanilla Ice, N.W.A./Ice Cube, Ice T), punk (Sex Pistols), rock (Rolling Stones, The Who, Black Crowes, Bruce Springsteen, Eric Clapton, Living Colour), pop (Madonna, Prince, Queen, The Cure, David Bowie, Michael Jackson, Paula Abdul, New Kids On The Block) y leyendas (Grateful Dead, Doors, Frank Zappa, Bob Dylan).

 

Rock Fantasy Comics: A finales de los ochenta y principios de los noventa, publicó la serie Rock Fantasy, con cómics protagonizados por Pink Floyd, Rolling Stones, Led Zeppelin, Guns N’ Roses, Van Halen, Def Leppard, David Bowie, The Doors, entre otros, así como el especial Rock Vixens (con Samantha Fox y Paula Abdul).

Y para terminar esta serie dedicada a descubrir la relación entre el cómic de superhéroes y el rock, aquí os dejo con la lista íntegra de canciones de las que se hablan en las cuatro entregas.
 

rock enmascarado y con capa (3)

Del metal de Lobezno al planeta de Superman
Los superhéroes no solo han servido de fuente de inspiración para todo tipo de canciones, sino también para bautizar a algunos grupos o para condicionar su estética. Por orden alfabético, encontramos a los siguientes:
Adamantium: El grupo punk de Newport Beach toma su nombre del metal con que está fabricado el esqueleto y las garras de Lobezno. Existe otro grupo de metal texano con el mismo nombre.
Batmobile: El vehículo de Batman bautiza a esta banda holandesa de psychobilly.
Bruce Banner: Grupo hardcore sueco, toma la iconografía del álter ego de Hulk de la serie de televisión interpretada por Bill Bixby.
Clark Kent: DJ alemán de house, con el sobrenombre de Man Of Vinyl. Pero no es el único Clark Kent: existe otro, conocido como Hip-Hop’s Superman, DJ, productor y remezclador de rap (Jay-Z, Lil’ Kim, The Notorius B.I.G., Rakim, Fugees, etc.) y primo de Foxy Brown. Y un tercer Clark Kent, bajista de jazz, antiguo componente de Chevalier Brothers y músico de Ray Gelato.
The Comic Book Super Heroes: Numerosa formación mestiza norteamericana que mezcla hardcore, ritmos latinos, ska y funk con una actitud punk.
Daily Planet: Grupo sueco de tecno-pop que toma su nombre del periódico donde trabaja Clark Kent. En su primer álbum The Tide (1996), incluía la canción Superman.
David Banner: Rapero de Mississippi, antiguo componente del dúo Crooked Lettaz, que recupera el nombre que Hulk tenía en la serie de televisión.
Gorillaz: Aunque no se inspira en ningún personaje concreto, este cuarteto, concebido como el primer grupo virtual de hip hop, está integrado por unos personajes creados por Jamie Hewlett, autor del cómic de culto Tank Girl. De la música se encargan Dan The Automator, Damon Albarn, Miho Hatori, Tina Weymouth y Chris Frantz.
The Krewmen: Trío inglés de psychobilly, con portadas que reproducen la estética de los superhéroes, debutó con The Adventures Of The  Krewmen.
Krypton: Un proyecto paralelo de Aviador Dro dedicado al electropop, con reminiscencias de New Order y Garbage, bautizado en honor al planeta de Superman.
Loïs Lane: Una banda holandesa liderada por las hermanas Suzanne y Monique Klemann, con un sonido sensual muy deudor de Prince (de hecho, grabaron con él su tercer álbum, Precious, en 1992). En Estados Unidos son conocidos como Lois L, porque tomaron su nombre de la novia de Superman.
Märvel: Grupo sueco con influencias de Kiss y Thin Lizzy, integrado por “tres superhéroes”: Vocalo, Animalizer y The Ambassador, con cuartel general en Brooklyn.
Peter Parker: Grupo pop de Seattle, ya desaparecido. Aparte, también se puede citar la banda Peter Parker Experience (proyecto primerizo de Michel Cloup) y otro Peter Parker de Manchester, productor de hip hop y DJ, fundador del grupo Fingathing. Su segundo álbum llevaba por título Superhero Music (2002).
Superheroes: Grupo danés, inspirado en sus inicios por el pop sintetizado de Human League. Existen otros Superhéroes argentinos.
The Watchmen: Grupo canadiense de rock y electrónica que ya no existe, tomaba su nombre del rompedor cómic de Alan Moore.
The X-Men: Con este nombre fueron conocidos durante muchos años los maestros del turntablismo The X-ecutioners, pero tuvieron que cambiarlo por motivos de copyright. La formación encabezada por Rob Swift escogió el nombre de The X-Men para enfrentarse a otro equipo de DJs, The Supermen (Clark Kent, DJ Scratch y Richie Rich).
Por último, no hay que olvidar a los pioneros del hip hop y electro Afrika Bambaataa & Soul Sonic Force, quienes en sus inicios recurrieron a la estética de los superhéroes (no solo iban disfrazados como tales en el escenario y en videoclips, sino que además las portadas de los singles evocaban claramente los comic books).

rock enmascarado y con capa (2)

Spider-Man, Hulk y X-Men en las listas de éxitos
El atormentado Batman no es el único superhéroe al que le han dedicado canciones. Ahí va una lista de otros personajes (tanto del universo Marvel como DC) que han merecido ese privilegio.
SPIDER-MAN: Tan popular como el tema de Batman es el de Spider-Man, creado por Bob Harris para la serie de dibujos animados de 1967. La descriptiva canción ha sido interpretada por Aerosmith, Ramones y Mr. T Experience.
Muchos artistas se han inspirado en el hombre araña para titular sus canciones, como Katrina & The Waves, Ramsey Lewis, Veruca Salt y Link Wray. Otros han citado el personaje o su identidad secreta, Peter Parker, como Fluke (Absurd) y Wu-Tang Clan (Protect Ya Neck).

Del popular arácnido también han salido algunos álbumes. El más ambicioso es Spider-man: Rock Reflections Of A Superhero (Winthrop, 1975). Este álbum es una especie de ópera rock, con narración de Stan Lee y canciones con estilos que van del pop al rock y al doo-wop. Entre los intérpretes encontramos a Marty Nelson, componente original de Manhattan Transfer.

Una de las últimas novedades sobre el trepamuros fue Spider-Man. Turn Off  The Dark, el musical de Broadway inspirado en el héroe, con música y canciones de Bono y The Edge.

SUPERMAN: Es el superhéroe más conocido, pero en cambio nunca ha tenido una canción característica como Batman o Spider-Man. Eso sí, su influencia en la cultura pop ha inspirado a decenas de artistas que le han dedicado canciones. Sería el caso de AC/DC (What’s Next To The Moon, versionada después por Mark Kozelek), Big Head Todd & The Monsters (Resignation Superman), Crash Test Dummies (Superman’s Song), Celine Dion (Le fils de Superman), Donovan (Sunshine Superman), Five For Fighting  Superman (It’s Not Easy)-, Insane Clown Posse (Super Balls), Kinks(Wish I Could Fly Like) Superman-, Powerman 5000 (Even Superman Shot Himself), R.E.M. (Superman), Brown Sawyer (Superman’s Daughter), Three Doors Down (Kryptonite), Ian Dury & The Blockheads (Sueperman’s Big Sister, con una “e” de más para evitar problemas legales), Flaming Lips (Waitin’ For A Superman), Robyn Hitchcock & The Egyptians (Superman) y Gil Scott-Heron & Brian Jackson (Ain’t No Such Thing As Superman).

Otros han citado al hombre de Krypton de pasada, como Laurie Anderson (O Superman), Jim Croce (You Don’t Mess Around With Jim), Genesis (Land Of Confusion) y Jethro Tull (Thick As A Brick).

El universo de personajes que rodean al hombre de acero también aparece en algunas canciones: sus enemigos (Brainiac’s Daughter, de XTC), sus colegas (Jimmy Olsen Blues, de Spin Doctors), su novia Lois Lane (Rapper’s Delight, de Sugar Hill Gang), su prima (That’s Really Super, Supergirl, de XTC; Supergirl, de Stereo Total).
X-MEN: El grupo de mutantes es citado en canciones de Poe (How Long) y Bloodhound Gang (Why’s Everyone Always Pickin’ On Me?), y el más popular, Wolverine o Lobezno, aparece en el Wolverine Blues de Entombed  y en Side Kick de Rancid. En cuanto a uno de sus enemigos, Magneto, es el protagonista de Magneto & Titanium Man, de Paul McCartney & Wings (más tarde versionada por The Pontiac Brothers).

CAPITÁN AMÉRICA: Le han dedicado canciones al héroe patriótico Jimmy Buffet (Captain America), Kinks (Catch Me Now I’m Falling) y Moe (Captain America), mientras que Guns N’ Roses(Paradise City) y Daniel Johnston (Happy Time) lo citan de pasada.

DAREDEVIL: En la banda sonora del filme Daredevil, la canción que se refería de forma más directa al superhéroe ciego era The Man Without Fear, a cargo de Drowning Pool & Rob Zombie.
FLASH GORDON: Un punto y aparte. El estilo histriónico de Queen encajó muy bien en la adaptación kitsch al cine de Flash Gordon (Mike Hodges,1980). La banda sonora, compuesta íntegramente por el grupo liderado por el desaparecido Freddie Mercury, era instrumental, pero también incluía dos canciones: The Hero y el memorable Flash’s Theme.
GHOST RIDER: El grupo Suicide le dedicó una canción al motorista infernal con cabeza de calavera (Ghost Rider), que después ha sido versionada por Etant Donnes, Henry Rollins Band y los españoles La Secta.
HULK: Para la banda sonora del Hulk de Ang Lee, Velvet Revolver compusieron Set Me Free. Otros que han recurrido al monstruo verde o a su nombre civil, Bruce Banner, han sido Anthrax (King Size), Bloodhound Gang (Mama Say), Dr. Dre (Some L.A. Niggaz) y Eminem (My Name Is).