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Mentre aquí seguim amb els mateixos realities de sempre – la darrera barbaritat, l’invent de Jordi González a La Via Làctia d’encadenar tres persones durant tres dies per guanyar només 1500 euros – , el gran Stan Lee (sí, el tipus darrere de Spider-man, X-Men, Hulk i els grans herois de la Marvel) va crear el 2006 un programa titulat Who Wants To Be A Superhero? (qui vol ser un superheroi). Aquesta meravella de la televisió s’ha emès durant dues temporades pel canal nord-americà Sci Fi, i de moment encara no està clar si en tindrà una tercera.

I de què va? Doncs ja es pot imaginar: un grup d’aspirants a superherois s’inventa els seus poders, es dissenya el seu vestit, i competeix en diverses proves per a demostrar les seves habilitats, entre les quals es valoren aspectes com el coratge, la integritat, el sacrifici, i la compassió. El premi? Ser el protagonista d’un nou còmic creat pel mateix Lee.

Entre la colla de freakies que van concursar en la darrera edició (la segona), la més resultona era una tal Basura (a la foto superior), una artista de 27 anys que es comunicava amb els insectes, ensinistrava petits animals perquè l’ajudessin, podia intuir com va ser creat qualsevol objecte només tocant-lo i convertia les escombraries en robots.

Però la meva preferida sense dubte va sortir a la primera edició de Who Wants To Be A Superhero? El seu nom, Cell Phone Girl (a la foto inferior), una dissenyadora d’interiors de 22 anys els poders de la qual incloïen teletransportar-se d’un telèfon mòbil a un altre, fer fotos digitals amb els seus ulls, o descarregar informació de qualsevol ordinador. L’heroïna de la tecnologia i el món modern!!

Una petita anècdota aquest cap de setmana m’ha servit per adonar-me que estem envoltats per la incultura popular. I com ha estat la cosa? Doncs amb un fet tan senzill com portar una samarreta amb una determinada imatge.

Tot i que no sóc un gran fan de la sèrie, confesso que quan va sortir l’edició limitada de la primera temporada de Heroes en DVD, vaig fer tots els possibles per aconseguir-la, fins i tot intentar comprar-la on line a la botiga d’El Corte Inglés, un lloc on evito posar-hi els peus. Finalment, vaig trobar la última còpia que quedava al FNAC de Diagonal Mar. Molts us preguntareu: tanta collonada per una edició especial? Bé, ja posats, m’agrada comprar aquesta mena d’edicions que porten alguna cosa exclusiva, digues-me fetitxista… encara que reconec que rarament m’empasso tots els reportatges dels extres dels DVD. En aquest cas, a part d’un còmic de la sèrie, et regalaven una samarreta amb el logotip de Heroes, aquell que mostra un eclipsi amb el títol a sobre.

Un cop introduïts els fets, anem a l’anècdota: vaig anar a FNAC Triangle per comprar diversos DVD i llibres (la llista que vaig publicar per Sant Jordi). Quan era a punt de pagar, la caixera em va veure la samarreta d’Heroes que duia posada i em va comentar: «Ostres, què maca». Li vaig explicar com l’havia aconseguida i a continuació em va dir: «a la meva germana li encantaria, està boja per la sèrie. Encara que jo sóc més de Perdidos». I jo li vaig contestar (i de forma sincera, no per intentar lligar-me-la): «a mi també m’agrada molt més Perdidos». Bé, la situació va quedar com un fet simpàtic, i em va confirmar allò que diuen que la gent que treballa a FNAC coneix realment els productes que ven i està molt al dia de cultura popular.

Quan tornava a casa i anava pel carrer, em vaig creuar amb un paio que, en passar al seu costat, em va cantussejar Entre dos tierras. El primer que vaig pensar va ser «quin penjat, aquest que es posa a cantar un tema d’Héroes del Silencio». Però després me’n vaig adonar que ho feia perquè va veure la meva samarreta i em va prendre per un fan del grup de Bunbury. I aquest és l’exemple d’incultura popular.

Em va recordar quan, fa anys i acabat de tornar d’un viatge a Memphis, duia tot orgullós la samarreta de Sun Records i una dona al metro em va dir «qué camiseta de Gallina Blanca más bonita».

No vull ni pensar què pot passar quan estreni la samarreta de No Depression. Ja m’imagino algú pensant-se que anuncio Prozac.

Ha nascut una nova estrella, o això diuen. Respon al nom de Porta (a la foto superior), i te’l venen com «l’Eminem espanyol». Quina por! I d’on ha sortit aquest personatge? Doncs per simplificar-ho, direm que s’ha convertit en un fenomen gràcies a internet amb, segons diuen, milions de descàrregues de les seves maquetes… cosa que, d’altra banda, ha passat a molts artistes del món anglosaxó amb molt més talent, per cert.

Ara, és clar, ja ha estat fitxat per una multinacional i ha tret un disc de debut, En boca de tantos, i compta amb un recolzament propagandístic espectacular (fins i tot té un canal de vídeos a MySpace). I, el més al·lucinant i insultant de tot, als seus 19 anys ja ha publicat la seva biografia autoritzada (a la foto inferior a l’esquerra), amb una acollonant nota de premsa de l’editorial que el presenta com si fos el millor raper de la història a l’estat espanyol i part de l’estranger:

«Nunca antes en la historia de la música en nuestro país había sucedido algo igual. Nunca antes un artista se había convertido en un fenómeno de masas, sin dejar indiferente a nadie, sin ni siquiera tener un disco en la calle. Porta representa a generaciones enteras de jóvenes que buscaban una voz que contase su realidad más cotidiana en su propio lenguaje, más allá de productos prefabricados y música creada por y para satisfacer a las multitudes. Y mientras, el rap español encontraba sin quererlo un icono de la renovación, de la nueva escuela. La historia de Porta, un chico de Sarriá nacido a finales de los ochenta, y la historia del rap en nuestro país van prácticamente de la mano. Ésta es su historia, que a fin de cuentas, podría ser la de cualquiera.»

Deixant de banda el que deuen pensar els veritables rapers i seguidors del hip hop, els qui s’hi han deixat la pell al llarg dels anys, el fenomen Porta fa pudor de genial muntatge publicitari, d’invent de discogràfica molt ben aconseguit, això sí, però invent en definitiva. Clar, sempre et vindrà l’espavilat de torn i et dirà que les xifres canten, i que els milions de descàrregues ho proven. Ho sento, l’argument dels números no em serveix. També ven milions de discos el Julio Iglesias i altres impresentables, i no deixen de tenir un valor musical nul.

Perquè a veure, qui es Porta? Un nen d’un barri tan conflictiu i perillós com Sarrià, amb l’aspecte del Martí de Ventdelplà (el seu vestuari fins i tot respon al que una producció mainstream com aquesta utilitzaria per descriure al típic i tòpic adolescent amant del hip hop), amb la mateixa veu lamentable que tenen molts rapers espanyols, que estan convençuts que l’estil només es basa en cridar paraules que rimin sense cap mena de cadència ni musicalitat i en proclamar als quatre vents que són els «més millors del món mundial». Estic convençut que el temps em donarà la raó, i que d’aquí pocs anys ningú no se’n recordarà d’aquest Eminem espanyol de pa sucat amb oli.

Salvant les distàncies, el fenomen Porta recorda el que va passar el 2005 amb un altre artista, aquest sí, de gran qualitat i futur prometedor, Falete, considerat com la gran revelació del flamenc, famós a partir de les seves intervencions a la cantera de freaks per excel·lència, el programa Ratones coloraos de Jesús Quintero.

Fins aquí, res a objectar. Però els problemes comencen quan ens fixem en la forma que van tenir de vendre’l: d’ell deien que té «l’art de Bambino, el temperament de Lola Flores, la sensualitat de Maria Jiménez, l’estrip de Chavela Vargas i la veu poderosa de Rocío Jurado». Amb tot això, no sabem si ens trobem davant un monstre del flamenc o un monstre de Frankenstein.

Amb tots els respectes per Falete, aquest tipus de definicions amb referències a altres cantants – una cosa que, fins ara, només feien els crítics que no sabien on encabir un artista -, planteja una reflexió perversa de cara al futur.

En els últims temps, cada vegada hi ha més avenços científics en temes vinculats a la manipulació genètica i la clonació, i tot i que la seva aplicació en éssers humans suposa un seguit de problemes ètics, qui sap què pot passar d’aquí a uns anys.

Si ajuntem l’afany desmesurat de les discogràfiques per aconseguir èxits segurs a qualsevol preu – amb l’antecedent històric de grups inventats com els Monkees (a la foto de la dreta), els Milli Vanilli i un llarg etcètera -, amb la investigació genètica, podem imaginar un escenari en què s’arribin a crear productes fets a mida, monstres de Frankenstein de la música que assegurin bons resultats.

Ja m’imagino el directiu d’una multinacional a l’hora de dissenyar una nova estrella: «Vull un individu que aplegui la sensualitat de l’Elvis Presley de l’època prèvia al servei militar, amb l’estil de tocar la guitarra de Stevie Ray Vaughan quan ja estava net de la seva addicció a les drogues, amb el pentinat de Jon Bon Jovi quan lluïa cabellera, amb la musculatura de Henry Rollins, amb el somriure de Chayanne, i amb la veu de Van Morrison». Un cop encomanat el producte, els laboratoris s’encarregarien de combinar tots els components genètics per treure l’artista ideal.

Una de les darreres modes de les discogràfiques – a part de la de trobar alternatives sanes i gens conflictives a l’Amy Winehouse (a la foto de sota) – va ser la de treure artistes amb etiquetes del tipus «el nou Frank Sinatra». Però per què escollir un succedani quan es podria tenir un clònic de l’original, millorat i perfeccionat amb noves prestacions i actualitzacions?

Aquesta pràctica portaria, però, alguns dilemes: què en pensarien els descendents d’un d’aquests artistes difunts que fos clonat? El negoci és el negoci, i la font d’ingressos que els suposaria de ben segur acabaria amb qualsevol escrúpol. A més, la SGAE de torn ja s’encarregaria de vetllar pels «drets genètics».

I seguint amb aquest escenari hipotètic, qui ens assegura que no sorgiria un nou tipus de pirateria, la genètica, que en lloc de fer còpies dolentes de discos faria còpies dolentes d’artistes? Així, una multinacional llançaria al mercat un nou Michael Jackson millorat (és a dir, negre i orgullós de ser-ho i sense tendències pedòfiles) i, pocs dies després, apareixeria un Jacko pirata albí i amb la veu d’Enrique Iglesias. Això sí que seria un delicte, i no el top manta!

Curiosament, fa uns anys una de les campanyes de promoció del portal de música de Yahoo, Launch, era un banner on apareixien tres gots amb els noms de Bisbal, Paulina i Juanes. A poc a poc, es veia com s’agafava el contingut de cada got i es vessava a una coctelera. Després d’agitar-la, apareixia un lema que venia a dir «el millor de la música llatina». Casualitat? Potser. Una insinuació de com serà el futur? Qui ho sap…

Un dels avantatges de tenir bons contactes a MySpace és que et permeten tenir accés de primera ma a informacions que t’interessen. Així, com a integrant de la llista d’amics de Tom Waits, el 2 de maig vaig rebre un missatge on se m’avisava que a partir del 5 de maig, a la pàgina oficial del cantant, es podria veure una roda de premsa de Waits. I això ja em va picar la curiositat: Tom Waits fent una roda de premsa? Parlem del mateix personatge? Què voldria anunciar?

Ahir vaig rebre un altre missatge on tot començava a tenir sentit… o no. Deia el següent: «Tom només té una paraula per a tu per saber de la seva propera gira estiuenca Glitter and Doom: PEHDTSCHJMBA».

Misteri resolt: l’artista de la veu aiguardentosa va presentar la seva gira estiuenca Glitter and Doom ahir dilluns a través d’un vídeo on, suposadament, responia a les preguntes dels periodistes. Espereu a veure la sorpresa final.

En aquesta singular compareixença davant la premsa, Waits no va aclarir quina banda portaria o si seria una gira en solitari, però va presentar l’acrònim PEHDTSCKJMBA com a paraula guia del Glitter and Doom Tour. En realitat, aquest mot agafa la primera inicial de cada ciutat de la branca nord-americana de la gira, que comença el 17 de juny a Phoenix, i acaba el 5 de juliol a Atlanta. En aquesta pàgina podeu veure totes les dates, per si voleu anar als Estats Units ara que el dòlar està tan baix.

L’inclassificable artista va explicar que si s’observa el recorregut de la gira en un mapa, té la mateixa forma de la constel·lació Hidra.

I ara bé el més important: tot i que de moment només hi ha concerts previstos als Estats Units, en el vídeo diu que anirà a Europa, i fa una referència on menciona «d’Espanya a Dublin». Serà veritat? I en aquest cas, tornarà a passar de llarg per Barcelona, o el podrem gaudir per fi (i esperem que en un lloc en condicions)? A veure si els del Grec encara ens donaran una sorpresa…

En el Rockdelux d’aquest mes, i com a complement de l’informe sobre Naïve que he escrit, em van demanar una entrevista amb Daniel Melingo, un artista argentí que ha actualitzat el tango amb les seves gravacions en el segell Mañana. Creat per Eduardo Makaroff, fundador de Gotan Project, Mañana és una de les discogràfiques més interessants distribuïdes per Naïve, una aposta entusiasta per el futur del tango i les altres músiques argentines (milonga, candombe, murga) en la qual, curiosament, las fusions amb l’electrònica brillen per la seva absència. Però després em van demanar també una entrevista amb Juan Carlos Càceres, un altre artista de Mañana. El resultat final publicat a la revista és una barreja de totes dues entrevistes, considerablement escurçades, i a sobre amb el títol canviat. Per això, penjaré aquí les entrevistes tal com eren en un principi.

I començaré amb la de Melingo. El poeta Luis Roldán escrivia el 1916 una de les lletres que el va fer més famós: «Maldito tango que envenena con su dulzura cuando suena, maldito tango que me llena de tan acerba hiel. Él fue la causa de mi ruina, maldito tango que fascina… ¡Oh tango que mata y domina! ¡Maldito sea el tango aquel!». Gairebé un segle després, un altre poeta, Luis Alposta, utilitza el mateix títol, reprès per Daniel Melingo en el seu recent àlbum Maldito Tango (Mañana-Naïve, 2008). Després de passar per grups de rock com Los Abuelos de la Nada (on va coincidir amb Andrés Calamaro) i Lions In Love, pioner del mestissatge en el Madrid dels 80, Melingo va iniciar el seu projecte com intèrpret de tango.

El título de tu anterior disco «Santa Milonga» (2005) presuponía un sentimiento de adoración o santificación del género, en cambio «Maldito Tango» parece todo lo contrario, como una demonización del tango. ¿Es así? «Santa Milonga» era una suerte de compilado europeo del sello Mañana de tres trabajos míos anteriores. Encierra canciones de mi primer álbum «Tangos Bajos» (1998), de «Ufa!» (2001) y de un tercer disco que quedó inconcluso porque me ofrecieron este compilado, y del que se incluyeron dos canciones.

«Maldito tango» es un poema de Luis Alposta, pero ¿tiene algo que ver con la canción del mismo título interpretada por Libertad Lamarque? No sabía que ella cantaba una canción titulada así, mira qué curiosidad…

Has puesto música a poemas olvidados de autores clásicos (Enrique Cadícamo, Celedonio Flores, Dante A. Linyera, Carlos de la Púa) y contemporáneos (Luis Alposta), en lugar de caer en el camino fácil de hacer versiones de temas conocidos. ¿Hay una labor de investigación, de arqueología en tu trabajo? Sí, exacto. Digamos que entre líneas en este álbum hay diferentes corrientes de trabajo. Por un lado, el tipo de selección de poetas: buceé en su obra poética, tanto con Enrique Cadícamo como Celedonio Flores o Carlos de la Púa, que son grandes letristas de tango. Pero fui a buscar en su obra poética, en poesías que no estuvieran musicalizadas. Es lo que hago con Luis Alposta en vida. Voy a musicalizar sobre la poesía que tiene ya una contundencia en sí misma. Y al poner música también hago un trabajo de investigación, con una melange de instrumentos que fueron utilizados a lo largo de la historia del tango, como el trombón, la sierra con arco, el vibráfono, el violín corneta… Es una suerte de orquestación libre con las musicalizaciones de los poemas, como una ventana al pasado de nuestros poetas lunfardos. El nombre del álbum no lo digo como una expresión, sino como un puente que trazo entre los poetas malditos y nuestros poetas lunfardos. Por eso escojo poetas muy pesados, como Celedonio Flores, que ha escrito «Mano a mano», por ejemplo. Y sus obras son muy breves: excepto Cadícamo, que fue un escritor muy prolífico, la obra poética de Carlos de la Púa, por ejemplo, la encuentras en un volumen muy chiquito que se llama «La crencha engrasada», con 28 poemas. Celedonio Flores mismo, tiene cantidad de letras de tango, pero su obra poética se reduce a dos libros. La de Dante Linyera es una obra que también se encierra en un solo librito. Son todos poetas de la primera mitad del siglo XX, la época contemporánea a Gardel.

El hecho de utilizar el lunfardo: ¿crees que supone una dificultad a la hora de ser entendido en otros países? Mucha gente de Buenos Aires, siendo porteña, no entiende las palabras del lunfardo. Pero va más allá de lo que puedas entender. Ahora mismo vengo del norte o de países que están muy lejos del español y de poder entenderlo, y mucho menos el lunfardo. Hay otra comunicación, creo que es más la curiosidad del estilo que el entender los textos. El lunfardo es un idioma que comenzó en las cárceles a principios del siglo XX. Después pasó al lenguaje coloquial en los años 20, 30 y 40, y después, en los 40, directamente a género literario. Por eso hoy día no se concibe escribir una letra de un tango si no hay por lo menos una palabra de lunfardo, un guiño de lunfardo. Estamos hablando de un idioma coloquial olvidado pero hoy día podemos decir que los porteños hablamos con un montón de palabras de lunfardo: cana (policía), mina, guita, bondi, son palabras que son deformaciones de diferentes idiomas de inmigrantes que fueron a parar a Buenos Aires, y así se conformó.

Desde tu debut en la música, ¿cómo has llegado al tango después de pasar por grupos de rock? ¿Fue más una evolución personal que artística? Comencé por el tango porque toda mi familia del lado de mi madre son poetas, bailarines, músicos de tango, gente de su medio… Comencé mis estudios a los 15 años en el Conservatorio Nacional, luego estuve en la Universidad de Música a los 18. A los 20 me metí en el rock y me hice conocido, pero mis comienzos no fueron allí. El rock es un género que aprendí a hacer, como el tango, cuando volví y empecé a componer tangos, y aprendí a ejecutar el tango. Porque lo lleva mi sangre, pero de ahí a poder ejecutarlo profesionalmente hay un paso, que tuve que hacer a mi vuelta de España en el año 96. Cuando volví a Buenos Aires tras diez años en España coincidió con que decidí involucrarme con el tango y estudiar su técnica, canto lírico y tal. Para cantar tango se requiere bastante técnica, no sólo es llevarlo en la sangre.

Sorprende que estando en un sello como Mañana, que pertenece a uno de los componentes de Gotan Project, no hayas caído en la tentación de la fusión con la electrónica como otros. Me he dedicado mucho tiempo y me sigo dedicando a la electrónica, pero por una cuestión estética decidí hace ya más de diez años, con este proyecto personal del tango, que la cuestión electrónica no se notara.

Una de las cosas que llama la atención es que utilizas instrumentos poco usuales en el tango: acordeones y guitarrones mexicanos, metales, cajón, sierra musical… Bueno, el tango cada década fue transformándose. Tal vez se conoce más el tango que se baila, el que llamamos orquestal, con formación típica de cuatro bandoneones, cuatro violines, piano y contrabajo. Pero hay muchas maneras de hacer tango, muchas épocas de tango, hay gran cantidad de acerbo tanguero. Yo pertenezco al tango como cualquier otra persona, pero lo que yo hago es mi visión del tango, mi manera de ver y de sentir el tango.

Otro rasgo sorprendente es el uso de esos coros jocosos, que a veces responden, otras interpelan. Sí, vengo un poco con la impunidad del rock. Eso me ha aportado gran parte de mi investigación o de mi inquietud por orquestar de otra manera. No es de un día para el otro, no es una ocurrencia momentánea. Es una búsqueda de sonoridades, como el trombón o el clarinete, instrumentos que se usaban para el tango, pero que se han dejado de lado. Y por una elección estética, nuevamente, me empasta muy bien, me agradan mucho al oído determinados instrumentos que no se usaron tanto en el tango mainstream de las grandes orquestas de la década de los 40, la década de oro, con Osvaldo Pugliese o Anibal Troilo. Pero después vino un Piazzola en los 60-70 que revolucionó también el tango. No son cuatro días: el tango lleva bastante tiempo, y bastantes estilos, bastantes personalidades, bastantes poetas y músicos involucrados en esta labor.

En una entrevista decías que «si uno trata al tango como una pieza de museo, lo transforma en pieza de museo».¿Intentas ser respetuoso con la tradición, o hay una intención de pervertir las convenciones del género? Las dos cosas. Aunque pervertir no me suena mucho la palabra. Tal vez meter el dedo en la llaga, es algo que también aprendí en el rock, una actitud anárquica tal vez. De todas maneras, yo lo hago con mucho respeto e intento traslucir o dejar ver mi personalidad. Y lo fui armando también alrededor del color de mi voz, del tipo de orquestación y las canciones. Fue un trabajo de composición y de investigación en torno al timbre de mi voz, que lo fui encontrando. Es un largo camino. Lo hago con mucho cariño y mucho amor y con respeto a todos mis colegas tangueros.

En la misma entrevista decías que no te consideras un «cronista social» con tus canciones. Entonces, ¿qué quieres transmitir con ellas? Es que una cosa es crítica, yo no hago crítica, hago una reseña y la cuento de una determinada manera que puede ser muy costumbrista, no dejan de ser escenas cotidianas, pero contadas u orquestadas de una manera personal. Entonces tal vez tiene más relevancia, pero no dejan de ser pequeños guiños o anécdotas o temas intrascendentes. Por eso no son críticas, son más crónicas. No pongo en tela de juicio, lo mío es dar una visión de cómo veo la cosa.

¿Qué te parecen las comparaciones con Tom Waits, Nick Cave, o Roberto Goyeneche «El polaco»? Les admiro a todos ellos y realmente no me encuentro mucho parecido. Admiro profundamente tanto al Polaco Goyeneche, como a Nick Cave o Tom Waits, pero no encuentro parecido. Tal vez hay un cierto parecido en la intención, pero ni estilísticamente ni…no creo que tenga influencias de ninguno de esos tres.

¿Cómo te ha aceptado la comunidad más purista del tango? Muy bien. De hecho estoy trabajando con Luis Alposta. Seguimos terminando nuevos tangos con temáticas atípicas por su parte. Es el vicepresidente de la Academia del Lunfardo, un tipo de 70 años que me ha hecho entrar al tango por un vericueto de una manera diferente y con su línea de escribir también paralela a la trayectoria tradicional del tango. Es un discípulo directo de Enrique Cadícamo, otro grande de la poesía. Realmente, hoy por hoy, me codeo más con gente del rock que del tango. Pero la gente que conozco del tango lo ha tomado con mucha gracia, agradecido, digamos.

¿Cómo ves la escena actual del tango, con artistas como Cristóbal Repetto (en el vídeo inferior), que colabora en el disco? Soy muy amigo de Cristóbal, hace diez años que lo conozco. Empezó a cantar conmigo. Le admiro profundamente, me parece un gran talento. Me parece fantástico, un tipo como él, de la provincia, porque no es de la ciudad de Buenos Aires. Personas como él son las que van marcando un antes y un después. Aparte está muy interesado por el género, es muy estudioso.

¿Qué otros proyectos tienes como productor o compositor para otros artistas? Me gusta mucho trabajar en música de películas, hacer temas por encargo, las producciones en estudio para diferentes artistas, componer canciones para otros… Y ahora tengo un proyecto para este verano en Grecia, una posible fusión de rebética, la música prohibida griega, con el tango y la milonga. Cuando regrese en mayo a Buenos Aires estoy terminado unos remix del primer single «Pequeño Paria». Ya se ha hecho un remix de Kristoff Muller, el programador de Gotan Project, y en Madrid Pablo Guadalupe también ha hecho otra remezcla. Y también van a hacerla unos músicos de rebética en Grecia, y otra en Buenos Aires, con Los Auténticos Decadentes con Joaquin Levington.